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February 26 2018

Logik des Verdachts



Auf der Seite des Centre Pompidou ist jetzt ein kurzer Film online, indem Christian Petzold und ich über eine Szene aus Hitchcocks THE WRONG MAN sprechen. 

P.S.: 
Mit Christian Petzold habe ich auf ähnliche Art auch über jeweils eine Szene in Michael Manns THIEF und Dominik Grafs ER SOLLTE TOT gesprochen. Mit einer anderen Szene aus THE WRONG MAN habe ich mich ausserdem hier beschäftigt.

February 25 2018

Lebenszeichen

André De Toths großartiger Schneewestern DAY OF THE OUTLAW.

Es wird mir jetzt klar, dass ich, einerseits, vom Kino die Aufzeichnung von Lebenszeichen erwarte, die jenseits des Kinos liegen. Das wäre das dokumentarische Moment. Das Spiel muss sich zu diesem Zweck immer wieder von den Anweisungen (und Regieideen) emanzipieren, aber auch von den Spielern selbst. 

Zugleich will ich in Dekor, Licht und Kostüm über das Beweisbare weiter hinaus als bisher. Die resultierende Künstlichkeit darf aber nicht (nur) Ausdruck eigener Vorlieben sein, sondern muss letztlich einer vertieften Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit entspringen. Jedes Kunstwerk ein Modell von Welt. 

Der Western ist in diesem Sinne brauchbares Vorbild: das Reiten, die Hitze, der Staub (die Kälte, der Schnee), überhaupt die körperliche Mühsal betont das dokumentarische Moment, während im Dekor ein modellhaftes Ringen um Welt kenntlich wird. Im Idealfall versetzen diese beiden Pole den Film so in Spannung, dass der Plot zweitrangig wird.

Sridevi, Bollywood Queen, Passes Away at 54

Playing everything from the ingenue in Kamal Haasan’s giallo-esque thriller Sigappu Rojakkal (1978), to a whip-wielding bandit queen in Sherni (1988), to a bewitching snake spirit in the supernatural romance/horror Nagina (1986), Sridevi has long laid claim to my heart as the queen of Bollywood.  Sridevi could be charming, goofy, and sexy in turn, sometimes all in the same film, like in her star turn as Lois Lane by way of Charlie Chaplin in the superhero hit Mr. India (1987). I was deeply saddened to hear she passed away at the young age of 54 – the screen won’t see her like again.

And if you want a taste of what made her so special, check out one of her all-time best dance numbers, “Ms. Hawa Hawaii” from Mr. India at this link.

February 24 2018

Wagner: Orchestral Music From the Ring

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As many of you know in addition to classical music I also have quite a fondness for film music which in my opinion is some of your modern classical music. How can you not listen to “Lord of the Rings” or “Star Trek” and not conjure up thoughts of Rimsky-Korsakov or Wagner. These two composers of the 19th century were the template of material that started 20th century film music. Both of them would have made fine Hollywood composers as they could write the type of music necessary for the wide range of emotions necessary. While there were others these two seem to standout as excellent examples.

The 64 minutes of material is the orchestral material to the 16 hours of opera, something that few people have ever listened to in it’s entirety. It shows the mastery that Wagner had. His ear was tuned to pick up the small nuances that were way over my head such as the use of a bass clarinet and a sax at a critical moment. He wrote as liner note writer Edward Yadzinski described as ‘small tuneful fragments as thematic material for individual characters’ (Leitmotifs). He pioneered the way for Strauss, Mahler, and Stravinsky and influenced Hollywood writers such as Korngold, Horner, and Williams.

All of this talk of theory, harmony, and orchestration took a second seat to his #1 love a lyricist. He built a special theater in Bayreuth to control the sound of the orchestra. It had levels to control the volume like a modern day equalizer. Pure genius!

I’m not very smart about Wagner so I can’t tell you how this recording is compared to the Maazel as an example. I can tell you I have nearly all the Buffalo Philharmonic recordings and like them very much. If you’re not familiar with Wagner give this a try and perhaps it will encourage you to try one of his operas.

Geschichten vom Gegenwind

(1)
Die Fernsehredakteurin, die mir nach Lektüre des Drehbuchs ganz ernst und besorgt abrät, den Beruf weiterzuverfolgen, wegen „Mangels an filmischer Fantasie”.

(2)
Die Förderreferentin, die mich auf unserer improvisierten Premierenparty in Cannes zu sich winkt – ich muss mich tief zu ihr herabbeugen –, um mir zu sagen, dass mein Film „Scheiße” sei.

(3)
Der Verbandsfunktionär, der mir sagt, die Franzosen liebten meine Filme, weil sie bewiesen, was die Franzosen schon immer glaubten: „dass wir Deutsche keine Filme machen können.“

(4)
Der Branchenmensch, der mir Wasser ins Gesicht schüttet, nachdem er mich (zu meiner Begleitung) sagen hörte, die Deutschen würden Filmindustrie nur spielen.

(5)
Der Radiomoderator, der mich fragt, warum ich es „als Deutscher” den Leuten mit meinem Film so schwer machen wolle, gerade als die Welt anfange zu akzeptieren, dass wir auch „locker” sein können.

(6)
Die Journalistin, die mir vor dem Interview „der Ehrlichkeit halber” sagt, dass sie alle meine Filme gehasst habe, und nur wegen des Schauspielers hier sei.

(7)
Die Zuschauerin, die nach der Premiere meines ersten Filmes aufsteht und schreit: „Warum tun Sie uns das an?”

(8)
Der in der Branche gescheiterte Dozent, der zu uns versammelten Studenten sagt: „Glaubt bloss nicht, ihr schafft es.”

(9)
Der berühmte Produzent, der mir, nachdem er meinen Namen gehört hat, die schon gegebene Hand entreißt und sich eilig entfernt.

(10)
Der Festivalleiter, der nach einer kritischen Frage aus dem Publikum sagt, man müsse bedenken, dass das mein erster Film sei und der nächste vielleicht besser werde.

(11)
Ein Filmpreiskommittee, das uns anreisen lässt, um einen Preis entgegenzunehmen. An der Sitzordnung merken wir, dass die Entscheidung revidiert wurde.

(12)
Die Dolmetscherin, die mich mitten im Satz unterbricht, um zu sagen, dass sie meinen Film nicht gesehen habe, aber dass sie ihn auch nicht sehen wolle.

(Geschrieben 2016)

February 23 2018

Review: Face Behind the Mask (Hong Kong 1974)

Chen Chi-hwa’s Face Behind the Mask is a solid piece of wu xia entertainment. It’s not revolutionary, and it really doesn’t do anything that hasn’t been done before. However, all the elements come together nicely to create a quick-paced piece of entertainment.

The plot is typically twisty and convoluted but eventually begins. Chi Tien-wei is the head of the First Family. Along with his disciples, who include Leng Yen-ching (Lo Lieh) and Hsiao Meng-fei (Yueh Hua), and his daughter Chi Mu-tan, he dispenses righteous justice, eliminating bandits and making the countryside a safer place. Unfortunately, shortly after his coronation as leader of the martial world, he is sent a threat by a mysterious “Mystical Guest” and attacked by a series of traitors and assassins. The rest of the story follows his efforts to discover and uproot his enemies. Aficionados of the genre will probably be able to spot the hidden villain early on, but the allegiances of many of the characters remain doubtful long enough to create a genuine element of suspense.

Those familiar only with the post-Swordsman New Wave wu xia films of the 1990’s should approach FBM with appropriate expectations. FBM harks back to the days before Tsui Hark revolutionized the swordplay genre with modern special effects and wirework. There are still great stunts and fun special effects, but don’t expect light beams, flying swordfish, or ridiculously fast-paced wirework. Neither does FBM rise to the level of Chu Yuan’s outstanding series of Gu Long-scripted wu xia films made for the Shaw Brothers. Chen Chi-hwa directs FBM with a steady hand, and the plot is more compelling than most (and more easily comprehensible, at least after the first 15 minutes or so), but FBM misses the mournful appeal of Chu Yuan’s frequent star Ti Lung, and any sex appeal whatsoever. Most importantly, FBM lacks the gorgeous art direction that turned so many of Chu Yuan’s films into living tableaux.

Nevertheless, Chen does his best with the standard locations, varying battle scenes between some compelling geography and nicely dressed internal sets. A battle in an atmospheric temple in particular stands out as worthy of any of the wu xia greats. Fights are a mixture of legitimate kung fu and the sort of flamboyant swordsmanship favored in the genre.

Moreover, fans of old school fu will be more than pleased by the incidentals. Characters carry outlandish weaponry, wear crazy wigs, and lop off limbs with abandon. Villains have ornate titles like “Dragon and Tiger, the Malignant Stars,” and the “Three Mice of the North.” There are also some classic goofy subtitles. Contemplate the following exchange between the blonde, leopard-printed “Blood Evil Star” and heroine Chi Mu-Tan: “Why do you invite me?” “For killing you.” “Why?” “Because you deserve it.” “Hahahaha … no one can kill me!” “But this’s the exception.”

The best thing FBM has going for is its cast, which includes some prominent actors from the Shaw Brothers studios. Lo Lieh dominates the film in a rare late-period non-villainous role. While Lieh participated in some of the greatest kung fu classics of all time, and occasionally played the hero early in his career (as in Five Fingers of Death, one of the breakthrough martial arts films in the American market), by the mid-to-late seventies he was more often cast as the heavy in films like The 36th Chamber of Shaolin and Dirty Ho. Here, as the wronged swordsman Leng, he gets a chance to play the doomed, romantic hero, and shines in the role.

Lieh is ably supported by Hsu Feng, the star of such King Hu masterpieces as Raining in the Mountain, A Touch of Zen, and Dragon Gate Inn, and by Yueh Hua, another Shaw Bros regular who made his career playing the drunken wanderer in Come Drink With Me and with supporting roles in Chu Yuan films like The Sentimental Swordsman. Together with Lieh, Hsu Feng and Yueh Hua form the legs of a love triangle that recalls Chang Cheh’s poignant Have Sword, Will Travel.

[Note: The packaging on the 2006 Rarescope DVD claims that Jackie Chan plays the masked assassin. It’s impossible for me to verify this as he is, well, wearing a mask. As Chan was beginning to become a successful star in his own right at that time, it seems unlikely that Chen would waste him in a role with no face time. However, Chan did have relationship with director Chen Chi-hwa, and was taking small roles so I would not rule out the possibility.]

2 ½ out 4 stars (Good).

February 22 2018

Father Was a Fullback, John M. Stahl, 1949

Betty Lynn, die mir zuletzt in Lloyd Bacons sonst eher lahmen Komödie Mother Was a Freshman sehr gut gefallen hat, taucht in Father Was a Fullback in einer noch schöneren Rolle wieder auf. In beiden Filmen spielt sie eine Heranwachsende, die sich in Liebeshändel verstrickt. Ihr offenes, rundes Gesicht ist dem romantischen Unheil schutzlos ausgeliefert. In Mother Was a Freshman resultiert das in einer betulichen Eifersuchtsgeschichte. Dass ihre Nebenbuhlerin ihre Mutter ist (die dann auch noch von Loretta Young gespielt wird) hält der Film offensichtlich für einen Skandal. Und zwar für einen so großen, dass er um ihn herum allerlei Sicherheitsnetze platziert. Zurück bleibt wenig außer Ideologie - zu viel mehr als zur Bestätigung eigener Vorurteile darüber, wie schlecht und sexistisch früher die Welt war, taugt das nicht. (Barbara Lawrence ist in einer somnambul-zickigen Nebenrolle super, da schlägt Bacons Precode-Erfahrung durch.)

Aber Father Was a Fullback ist a different kind of beast und neben vielem Anderen vielleicht auch ein Sirk-Melodram, das sich als whimsical domestic comedy tarnt. Fred MacMurray in der Hauptrolle als Familienvater und Footballtrainer stellt die Verbindung her. Genau wie in There's Always Tomorrow spielt er einen Mann, der sich von allen Seiten von Häuslichkeit umstellt sieht (ein enges Haus, mehr tief als breit, und die Nachbarn schauen immer über den Zaun, wie in Wechselbalg). Nur, dass der Ausweg ins Imaginäre, den es bei Sirk gibt, hier ebenfalls verstellt ist. Er muss sich mit seinen Niederlagen arrangieren, zu hause genauso wie auf dem Footballfeld (das Team verliert immer und der eine Masterplan, den er hat, scheitert grandios). Weiterhin mit dabei, der Film ist wirklich fabelhaft besetzt: Maureen O'Hara, die Mutter, eine smarte, lässige Familienmanagerin, die ihre psychischen Reserven, im krassen Gegensatz zum ständig am Rad drehenden MacMurray, nie wirklich aufbraucht, Natalie Wood als frühreife jüngste Tochter und dann sogar noch Thelma Ritter als eine street-wise Haushälterin. Die ist die verborgene Trumpfkarte des Films, eigentlich hat sie kaum eine Aufgabe in der Handlung, aber der das alles großartig flüssig inszenierende Stahl lässt sie immer wieder wie aus dem Nichts auftauchen, sie zieht die ganze Zeit ihr eigenes Ding durch - ganz wörtlich: sie hat ihre eigene Wette laufen. Thelma Ritter setzt nicht auf Häuslichkeit

Die anderen aber schon. Immer wieder tagt der Familienrat auf der Treppe: zu dritt oder viert sitzen sie da, eng nebeneinander, und besprechen das Problem der Stunde. Meistens geht es um Betty Lynn, die oben in ihrem Zimmer sitzt und auf eine schön versponnene Art schmollt. Ihr Liebeskummer ist der Anlass für mehrere Fiktionen: Zunächst erfindet ihr Vater einen Verehrer, der sich blöderweise tatsächlich manifestiert und auch noch vervielfältigt. Später wehrt sich Betty Lynn erst mit einer Scheinschwangerschaft, dann mit einer Gegenfiktion: sie schreibt eine Geschichte mit dem wunderbaren Titel "I Was a Teenage Bubble Dancer" und schickt sie an eine Zeitschrift. Ab dann stehen die Jungs Schlange, auch die Footballspieler, und obwohl das Footballteam weiterhin dauernd verliert, behält der Trainer seinen Job.

Ich habe den Film vor allem wegen dem Autorenteam gesehen: Mary Loos und Richard Sale, die unter anderem Rendezvous with Annie, The Inside Story, zwei weitere Dwan-Filme und auch John Fords When Willie Comes Marching Home geschrieben haben (sowie eben auch, nicht alles kann gelingen, Mother Was a Freshman) sind, da bin ich inzwischen sicher, unbesungene Großmeister der souverän am Abgrund des Irrsinns entlang mäandernden Konzeptkomödie.

February 21 2018

Thesen zum Publikum



- Das Publikum ist ein Wesen, das mit Erlöschen des Saallichts erwacht.

- Das Publikum ist mehr als die Summe einzelner Zuschauer. 

- Das Publikum weiss nicht, was es will, es sei denn, es bekommt es.

- Das Publikum hört besser als es sieht.

- Das Publikum bewegt sich tänzerisch durch einen Film: sinnlose Texte fechten es nicht an, aber wehe man bringt es aus dem Takt.

- Wenn man das Publikum nicht hören kann, geht es ihm gut. 

- Lachen hebt diese Regel auf, oder bestätigt sie.

- Das Publikum ist Intelligenzbestie und Mob zugleich. Es versteht mehr als ein Einzelner, sieht aber schnell rot.

- Das Publikum ist unmoralisch, hat aber ein ausgeprägtes Unrechtsbewusstsein.

- Langeweile wirkt auf ein Publikum wie eine Unterversorgung mit Sauerstoff: es sterben Gehirnzellen ab. Je langweiliger ein Film, desto dümmer das Publikum.

- Das Publikum täuscht sich nicht, aber weil es nur im Dunkeln lebt, kann es im Licht keine Auskunft geben.

- Mit jeder Vorstellung wird ein neues Publikum geboren.

- Kein Publikum gleicht dem Anderen.

- Das Saallicht nach dem Film vereinzelt das Publikum in Zuschauer.

- Je größer der kollektive Taumel gewesen ist, desto verschämter sieht man dem Nachbarn ins Auge.

- Äusserungen nach einem Film verleugnen das Publikum, und das kann nicht anders sein.

February 19 2018

Drifting In and Out of Frames: YEAH (Suzuki Yohei, Japan 2018)


 Das Mädchen Ako (Elisa Yanagi) ist so etwas wie ein Geist, ein Geist auf der Suche nach der Schwester, vielleicht auch ihrer Mutter - das ist lange nicht klar. Sie wandelt durch die Landschaften dieses ländlichen Vororts. Die Einwohner scheinen sie zu kennen, behandeln sie wie ein verwirrtes Mädchen. Der Film aber behandelt sie wie eine Geistererscheinung und blendet sie immer wieder aus dem aktuellen Filmbild langsam aus. Sie verschwindet nach und nach und entstofflicht sich. Was sie wirklich ist - lebendig oder tot - das weiß man lange Zeit nicht in Yohei Suzukis schönem Film.

 In einzelnen Miniaturen führt uns YEAH in die Welt der Anti-Heldin ein. Ein  Spielplatz, ein kleiner Imbiss, ein Parkplatz. Eine ranzige Junggesellenbude. Eine ziemlich statische Kamera gibt den einzelnen Szenen einen formal-ästhetischen Zusammenhang, wie auch die etwas ausgebleichten, pastellartigen Farbtöne. Dazu das Gemurmel von Ako, die ständig etwas vor sich hin brabbelt. Sie scheint offenbar nicht zu wissen, wo sie sich aufhält, und driftet immer wieder in Halluzinationen ab. Einige Gespräche des plötzlich anwesenden Bruders mit zwei Ärzten deuten ohnehin an, dass sie sich die ganze Zeit in einem Hospital, eventuell sogar in einer Irrenanstalt, befindet. Der Film aber lässt das offen, er erzählt meist ganz aus der subjektiven Perspektive seiner Protagonistin. Diese Offenheit, das ist die Stärke dieses Independent-Films.

 Der Film verstört immer wieder und auf verschiedenen Ebenen. Aber vor allem sind es auch die Bild-Ton-Scheren, die das Verhältnis zu dem, was wir sehen, in Zweifel ziehen. Da hört man einen Schrei, obwohl die Szene schon gewechselt hat. Einen Hubschrauber, obwohl dieser in der vorherigen Szene nur vorhanden war. Das, was das narrative Kino mit einem Flow ausstattet, nämlich mit Verschleifungen zu arbeiten, verweigert Yohei Suzuki in YEAH. Er springt von Szene zu Szene und überführt das Stilmittel 'Ton' ins Extrem - und erschafft somit einen Verfremdungseffekt, der einem erst bei aufmerksamem Zu-sehen / Zu-hören auffällt.

 Immer wieder kehrt Ako zu einer Art Vogelscheuche mit Regenmantel zurück. Sie steht in einem Brachland, am Rand des Zuckerrohrfeldes. Dorthin bringt sie ihr einen Strauß Korianderblüten, wie ein Grabgebinde zum Friedhof. Und kein Wunder spricht auch die Figur mit ihr, die dort steht wie ein Grabstein aus Licht. Licht zweifellos das Element, das Leben spendet. Die Figur: wir hören sie nicht, aber es ist klar, dass Ako sie hören kann. Wessen Realität ist nun realer?

Michael Schleeh

***

Der Film lief im Rahmen des International Film Fest Rotterdam (IFFR) und war auf FestivalScope gegen Bezahlung für kurze Zeit im Stream zu sehen. 

***

February 17 2018

Grieg Peer Gynt & Piano Concerto in A Minor

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One of the more difficult reviews for me to write is this one because anyone who has even a modest collection of material will have these two works in their collection. Some won’t have the vocal but many will. Why then would you buy this recording? The Bergen Philharmonic know this as well as the Marine band playing The Star Spangled Banner. The Chandos recording is in the SA-CD mode so if you have the system the sound is unbelievable. Chandos for the most part makes superior recordings. If for some reason you  don’t have these two wonderful melodic recordings they will be a welcome addition to your collection.

Edvard Grieg (1843-1907) was the Gershwin of Norway. Even today he is wildly popular for his material. Peer Gynt sound clips are heard in many films. As most of you know it is a very pleasant piece to listen to and the Bergen Philharmonic is  top drawer.

There are many boxed sets of piano concertos and this one is often included. It stands on the same ground as the Tchaikovsky, Beethoven, and Rachmaninoff concertos. It is romantic and filled with wonderful melodies. A real winner.

If you don’t have these recordings get them. This is a good recording.

Sergeant Rutledge, John Ford, 1960

One detail in the train scene early in the film: While getting to know each other, Constance Towers's Mary and Jeffrey Hunter's Tom are standing in the middle of one of the compartments of this rather un-trainlike looking train. They are facing each other while being aligned perpendicular towards the direction and movement of the machine. When the train suddenly breaks they should, according to the laws of physics, stumble parallel to the movement of the train, and also parallel to each other. However, they stumble towards each other instead, resulting in Mary falling into Tom's arms.

On the one hand this is a precise definition of movie magic: Cinema has the power to alter ficticious force, to refract it by 90 degrees (these 90 degrees might also be thought of as the romantic bias of cinema). On the other hand, the very strangeness and exposed antinaturalism of the scene fits this particular film perfectly. In Sergeant Rutledge, the chains of cause and effect aren't exactly broken, but they work in peculiar, almost absurd ways. The extremely beautiful, and despite its strangeness extremely moving film is first and foremost concerned with celebrating and mythologizing the „buffalo soldier“, with inscribing the faces of black americans on the iconography and texture of the hollywood western / of Ford's cinema... but it does this through a convoluted, meandering plot, structured around an investigation which, for most of the film's running time, seems to move not towards, but away from the crime it is supposed to solve. Only to be thrust back to it in the end by way of a rather bizarre deus ex machina development, resulting in an almost ecstatically overacted confession scene.





February 16 2018

The Image Pit

The Arsenal - Institute for Film and Video art in Berlin - just posted a translation of one of many reports by Serge Daney on tennis matches. This one was written at the time of the 1982 French open.

The Image Pit
First published in Libération in 1982. Reprinted in L’amateur de tennis, P.O.L. Editeurs, 1994.


February 15 2018

Metropolis

 

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A noted critic commented ‘after a single acquaintance with this fantastic film and its music, it is naturally only possible to receive a general impression. Most striking was the cohesion of the two mediums with Huppertz’ music providing a significant orientation in the complex film.’

One can make the argument that this was the finest score ever written for a silent film in the 20’s especially Huppertz who only did 8 films out of his 40 compositions, the others being concert pieces for orchestra. I further argue that this ranks as an equal with my favorite score which is Nosferatu  written by James Bernard, composer of many Hammer horror films.

Did Max Steiner, Franz Waxman, and Erich Korngold  go to school and learn from this score; a resounding yes! In fact all six components detailed in Fabich’s book were used in their scores. It consisted of “leitmotifs, scene-related themes and motifs intended for a single passage within the film, longer sections primarily adhering to musical rules, ostinato figures with leitmotif character, musical description and quotations.” For those who are not familiar a leitmotif is a theme or phrase that denotes an actor, idea, or thought. The best example I can give is the “Jaws” theme to denote the shark danger. The ostinato phrase is one repeated over and over, probably a leitmotif. A good example in this score is the use of the Dies Irae death theme used a lot.

The reason for the greatness of this score was the hands on approach that Huppertz took. Instead of waiting to do the score upon completion Huppertz studied and researched the film on a daily basis. This aided in  the synchronization process which made this score so superior to so many of its contemporaries. I can’t encourage you enough to watch the film and see how the music is an integral part of the movie and would be quite ordinary without it.  https://www.amazon.com/Complete-Metropolis-Silent-Brigitte-Helm/dp/B004R0LJ5E

The music doesn’t sound like a typical silent film but more modern sounding. I’ve listened to it three times all the way through and the time goes by a lot quicker than one might think. The themes roll out one after another and after the third time you’ll find yourself humming the different melodies as the score is quite tonal in nature with very little in the way of atonal passages.

I’ve given you the prime amazon link to view the film. It has been cleaned up and is an easy watch for you. If you own any of the older CD’s get this new one and enjoy the complete unedited version of this classic score. Highly recommended.

 

February 14 2018

Donna

Donna fehlt noch in meinem kleinen Dallas-Starschnitt. Aber was gibt es zu Donna zu sagen? Sie ist sicherlich durch ihren ihr fast schon direkt im Gesicht ablesbaren gesunden Menschenverstand ein stabilisierendes Element innerhalb eines hochneurotischen Systems, aber gleichzeitig bleibt sie weitgehend eigenschaftslos. Wie wenig die Serie mit ihr anfangen kann, bemerkt man daran, dass sie ihr die ganze Zeit Aetws zu tun gibt. Donna hat inzwischen (Season 7) bereits zwei Bücher geschrieben und mehrere politische Kampagnen erfolgreich absolviert. Und damit hat sie zwar deutlich mehr geleistet als die Millionen wie Spielgeld hin und her schiebenden Ewing-Männer (von deren schon von der Organisation eines Barbecue hoffnungslos überforderten Frauen ganz zu schweigen...), aber um Leistungen dieser Art geht es in Dallas nun einmal nicht. Zugang zu den spektakulären Ursache-Wirkungs-Zusammenhängen der Familienintrige hat Donna nur aufgrund ihrer durch nichts zu erschütternden Liebe zu Ray, was sie zur ewigen Passivität, zum ewigen Seufzen über Rays jeweils neueste Dummheit verdammt.

Das interessanteste an Donna sind Augen. Mit dem richtigen Make-up sehen sie aus wie dunkelblaue Scheinwerfer, die die Welt um sie herum ein wenig mondäner ausschauen lassen.

Komödiantisches Debüt: PORT OF FLOWERS von Keisuke Kinoshita (Japan, 1943)


 Wenn zwei Hochstapler aufeinandertreffen, dann ist für einiges Tohuwabohu gesorgt! In Keisuke Kinoshitas Debütfilm ist ebendies der Fall: die beiden Männer, die sogar unter demselben - falschen - Namen auf einer Insel vor Kyushu landen, planen deren Einwohner um ihr Hab und Gut zu prellen. Mit dem Bau einer Schiffswerft, um genau zu sein.

 Was sich zunächst wie ein federleichter Sommerfilm ausnimmt, bekommt aber dann schnell dunklere Töne, wenn man das Figurenarsenal und deren persönliche Schicksale besser kennenlernt. Ob also der Plan der Ganoven gelingt - das kann man in unserem Podcast nachhören.

Mit Thomas von Schöner Denken habe ich mich über diesen Film unterhalten. Diese Besprechung ist außerdem der Auftakt zu einer kleinen Kinoshita-Privatretrospektive, und also zu einer Reihe von Podcasts, die wir zu diesem Thema erstellen wollen.

Hier geht es also zum Podcast von Port Of Flowers .

Viel Vergnügen!

Michael Schleeh

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February 12 2018

The Long Gray Line, John Ford, 1955

When you watch the parade passing by you can't be part of it yourself. Not only a film about a life almost completely lived by proxy and the growing invisibility of history (in the age of cinemascope), but also about the specific melancholy of cinema.

Also: Maureen O'Hara as the last great silent movie comedian. Her love on first sight scene with Tyrone Powers might be one of the most beautiful slapstick routines ever.

February 09 2018

Im Wahnsinn nachtdunkler Farben: The Ghost Bride (Chito S. Rono, Philippinen 2017)


 The Ghost Bride ist einer der unzähligen philippinischen Grusel-Horror-Filme, die in ihrer tendenziell dilettantischen Machart hochsympathisch sind, auch weil es ihnen immer wieder gelingt, für Abwechslung und damit Überraschung zu sorgen: immer wieder spektakulär tolle Bilder, die aus einem Wust aus TV-Film-Optik herausragen, komische Geister aus dem südostasiatischen Raum (hier auch aus der chinesischen Mythologie) inmitten unzähliger amerikanisierter Jump-Scares, saturierte Farben verstörender Alpträume in einem Einheitsgrau der Bildgestaltung. Plötzlich hervorbrechend gutes Schauspiel in einem bisweilen an Overacting leidenden und an Ungelenkheiten krankenden Geisterfilm. Also Dinge, die verstören, faszinieren, begeistern. In einem Film, der streckenweise ziemlich öde, der in seiner Narration behäbig ist, und bei dem man immer wieder den Überblick verliert. Weil er vollgestopft ist mit Nebenhandlungen. Es ist eine typisch philippinische, schwer in sich verästelte Überforderung mit diesem Film hier.


 Aber nun zum grundsätzlichen Plotgeschehen (destilliert und etwas verkürzt, denn es geht ja ziemlich drunter und drüber): das Mädchen Mayen geht einen Deal mit der strengen chinesischen Heiratsvermittlerin Ms. Lao ein, die einen ganz speziellen Service anzubieten hat. Denn die Braut soll einen bereits verstorbenen Gatten heiraten. "Zum Schein", irgendwie, damit die Familie ihr Ansehen nicht verliert, damit jemand des Toten gedenkt und das Grab pflegt. Als aber plötzlich Geistererscheinungen auftauchen, sich Männer in blutrünstige Monster verwandeln und überhaupt ein paar der Nebenfiguren ausblutend auf dem Fußboden liegen, da wird es überdeutlich: Mayen muss raus aus diesem obskuren Vertrag mit der Chinesin, sonst ist sie auch bald geliefert.



 So ist es auch kein Wunder, dass wenig später bereits die ersten Geister auftauchen, die an die hüpfenden Vampire der HK-chinesischen Filme erinnern. Das ist immer wieder sehr gruslig inszeniert, da diese einfach plötzlich wie real und völlig überraschend im Raum stehen. Oder im Halbdunkel hinter einer Person. Genauso die zur Maske geschminkten Gesichter der chinesischen Oper, die von einer Theatertruppe performt wird. Urplötzlich taucht ein Gesicht im Spiegel auf, oder im Fenster. Der Zustand der Protagonistin verschlechtert sich zusehends, die Sicherheiten bröckeln weg. Gefilmt ist das alles recht ansprechend, mit guten Ideen und atmosphärischen Nachtfarben. Leider kann die Tonspur bei diesem Qualitätsniveau nicht mithalten - allzu häufig rummst es derart übertrieben heftig, dass sich ein Missverhältnis zum Dargestellten auftut. Weniger wäre mehr gewesen. Genauso das Drehbuch, das einige Schleifen zuviel dreht und ordentlich Verwirrung stiftet.



 Ganz am Ende, da vermischen sich in einem rotbrennenden Inferno auf spektakuläre Weise tibetanisch-buddhistisches Gebetsritual, chinesische Oper und transzendente Bewußtseinserweiterung zu einer Höllenfahrt, die Mayen an die Schwelle des Todes führt. In dieser irren Gemengelage findet der Film, der so Vieles bündelt, zu sich. Im Chaos die Einheit. Narration adé. Eine panische Frau rennt durch die Kreise der Hölle wie auf einem Jahrmarkt durch die Geisterbahn, nur ist diese Hölle so etwas wie die echte Hölle. Oder beinahe und doch nicht so ganz. Aber das ist ganz egal, die Dimensionen haben sich hier schon längst in Richtung Spiritualität verschoben. Und es ist noch nicht abzusehen, ob Mayen am Ende mit einem roten Blutfleck, der sich langsam ausbreitet, auf dem Boden liegen wird. Inmitten von Mönchen, die in Ekstase singen und beten.



 THE GHOST BRIDE ~ ein visuell immer wieder überraschender und atmosphärischer Film, dem aber ein stringenteres Drehbuch mit mehr Zug gut getan hätte. Und eine kürzere Laufzeit.

Michael Schleeh

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Sergey Rachmaninov The Bells & Symphonic Dances

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“The Bells” (Die Glocken)  was written in 1913 and is based on the Edgar Allen Poe poem. To put this in perspective Sergey was to do only 10 compositions until his death in 1943, a period of 30 years. The poem was sent to Sergey anonymously along with a letter urging him to write a work about it. It was translated by Konstantin Balmont (1867-1943) and it was different in many ways from the original Poe poem. Divided into four parts the work tells the story through the bells, orchestra, and voice. The first movement with sleigh bells  suggests youth and care free times. The chorus is singing a lullaby and it is a dreamy sequence. All is happy and well in Russia. The beginning of the work reminds me of Bernard Herrmann. Only a few bars but a noteworthy observation.

In the second movement Balmont’s verses switch to the golden bells ringing, solemn, serious, and significant. A wedding? A solo soprano reveals a sensual bliss for the blessed occasion.

In the third movement we now hear the fierce real world of day to day life. The movement is quite disturbing offering little hope.

The final movement talks about death. The swinging bell is the coffin’s peace.There are many references to the end in this movement. The bell has spoken.

Rachmaninov’s final work, “Symphonic Dances” (1940), is a return to his ballet “The Scythians” (1915) where he dealt with ancient horsemen.

The first movement begins with staccato type phrasing complete with drums which represent the riders. The mood quickly shifts and we hear a theme from a mourning alto saxophone which is peaceful.

Tempo di Valse is the order of the day for the second movement and we hear a somewhat typical Russian Waltz with flute, the blaring of trumpets, and clarinet.

Rachmaninov knew that this final third movement was to be his last and he gave indications with “Dies Irae” and “Blessed be the Lord. “This was subtly written to be his swansong in nature although it begins as a piece that Ravel could have written (Rhapsody Espangol).

Overall this is one of my favorite orchestral works that I have several of in my collection. The advantage of this recording is the coupling with “The Bells” 74 minutes of material by a seasoned conductor on nicely recorded CD. If you don’t have these works they will be a welcome addition to your collection.

 

Lee Holdridge Collection Volume 1

 

NEW FROM DRAGON’S DOMAIN THE LEE HOLDRIDGE COLLECTION
VOLUME ONE 

Music From the Original Scores
THE PILOT’S WIFE
THE TENTH MAN
Ships the week of February 5th
$17.95

 

Review will follow soon. As you know I like Lee a lot. Look forward to a new Chris Young too.

February 08 2018

3 Godfathers, John Ford, 1948

My favorite part comes when, towards the end of the film, shortly before he arrives in this film's version of Jerusalem, John Wayne stumbles through a canyon, thirsty and depleted. As in other scenes before, exhaustion is treated not as a bodily condition but as a prerequistion for the state of grace. Wayne, however, doesn't fall into a soft, cloud-like death, but instead becomes something like a mad saint, he starts hallucinating, and the world around him transforms itself into a cinematic echo chamber, complete with ghost voices, superimpositions, and a donkey miracle. In a way, the whole film works like this: While Ford's other westerns of the period (probably even the intimate Wagon Master, which I'll have to revisit soon) are deeply invested in making sense of the emerging post war world, 3 Godfathers often feels like a private fantasy: John Ford, hanging out in his own cinematic echo chamber.

Of course this isn't a surprise, given that 3 Godfathers is a remake of Ford's own 1919 film Marked Men and also a tribute to its star, Harry Carey. The true miracle is that, despite its openly, even proudly anachronistic setup, the film never once feels claustrophobic. One reason for this might be, that the two main structural levels of the film - the genre exercise and the religious allegory - never completely collapse into each other. No matter how deliriously christian things get, Ford at the same time always stays true to the simple chase narrative which twice in the film is sketched as a spatialized diagram. Thereby, 3 Godfathers permanently sidesteps the notion of mythical closure which always seems to lurk behind the next corner.

More important, probably, are single scenes, evelated shots which seem to come out of nowhere (the one with Wayne shielding his dying friend from the sun), singular intensities. This, more than the naive storyline, connects the film to early cinema, to the cinema of attractions. Of course, every single one of these moments is also a triumph of craft. The sandstorm, for example, is a triumph of Hollywood studio artifice, on par with the storm in The Hurricane. But the best special effect is much more basic: the baby itself, the faux christ found in the desert, and fed with cactus water. Each time the bundle in which the infant is wrapped in is opened, the film seems to discover the wonders of life anew, as if for the first time. Here, in the spiritual center of the film, glorious artifice suddenly breaks through into pure realism: The tiny hands grabbing Wayne's tanned, life-worn fingers, the mouth sucking, by way of pure reflex, on the improvised milk bottle.
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